31 октября 2019 года в выставочном зале при монастыре Санкт-Оттилиен состоится открытие выставки «Открытая книга», посвящённой религиозным сюжетам в творчестве русских художников XX–XXI веков. В основу новой экспозиции легли произведения из частных коллекций Москвы и Санкт-Петербурга, из Фонда русского абстрактного искусства, а также из личных собраний авторов работ. Выставка организована Патриаршим советом по культуре, фондом «Русские сезоны» и компанией «АРТ-Курьер».
Экспозиция продолжает серию выставок «Открытая книга» — первый показ работ в рамках данного проекта состоялся в Италии, в Национальном археологическом музее Аквилеи, в феврале нынешнего года. Выставки проходят в значимых для истории христианства местах — на этот раз «Открытая книга» будет представлена в бенедиктинском монастыре Святой Оттилии в Баварии. Большинство зданий монастыря построены в неоготическом вкусе и в стиле модерн в начале XX столетия. То было непростое время для аббатства: в 1940-х годах успешно развивающуюся обитель захватило и опустошило гестапо, а после войны вернувшиеся монахи ухаживали за бывшими узниками концлагерей в созданном здесь поселении. Специально для этой экспозиции подобраны работы, которые отражают политические и социальные потрясения XX века и обозначают постепенное возвращение российского общества к христианским ценностям. На выставке будут представлены произведения таких художников XX–XXI веков, как Дмитрий Плавинский, Михаил Шварцман, Гелий Коржев, Владислав Зубарев, Игорь Обросов, Герман Егошин, Владимир Гринберг, Юрий Матушевский, Александр Ситников, Ольга Булгакова и ряд выпускников художественных вузов Москвы.
Философские и метафоричные работы можно считать в определённом смысле отдельным этапом в творчестве каждого из упомянутых авторов. Поиск вечной правды, красота Божественного творения, социальная актуальность, нравственные идеалы, демонстрируемые художниками, отразились в том числе и в оригинальных композициях.
В состав экспозиции вошли живопись, графика, скульптура и мозаика разных направлений: от советского неофициального искусства до сурового стиля, от ленинградской школы живописи до школы Элия Белютина. Выставка позволит зрителю не только познакомиться с отдельными произведениями и погрузиться в исторический контекст, но и узнать на примере этих картин, какой разнообразной была и остаётся художественная жизнь современной России.
Выставка открыта с 31 октября по 24 ноября 2019 года. Вход свободный.
Патриарший совет по культуре под председательством Патриарха Московского и всея Руси Кирилла образован решением Священного Синода Русской Православной Церкви от 5 марта 2010 года. В компетенцию Патриаршего совета входят вопросы диалога и взаимодействия с государственными учреждениями культуры, творческими союзами, общественными объединениями граждан, работающих в сфере культуры, а также иными подобными организациями в странах канонического пространства Московского Патриархата.
«Русские сезоны» — масштабный проект по представлению российской культуры зарубежному зрителю. Проект инициирован Правительством Российской Федерации и Министерством культуры Российской Федерации. В рамках фестиваля в одном из зарубежных государств на протяжении календарного года проходят гастроли лучших российских творческих коллективов, выставки из собраний крупнейших российских музеев, фестивали циркового искусства, премьеры российского кино и другие события. Международный культурный проект «Русские сезоны», названный в память о легендарных гастролях балетной труппы Сергея Дягилева, впервые прошёл в 2017 году в Японии и собрал более 3,5 миллионов зрителей в 42 городах страны. В 2018 году фестиваль принимала Италия, в 2019-м — Германия.
Компания «АРТ-Курьер» была создана в 1997 году, оказывает услуги в сфере организации российских и международных выставочных проектов, хранения и транспортировки произведений искусства из собраний крупнейших музеев мира, а также частных коллекций, и за годы своей работы стала одной из ведущих на российском рынке. На протяжении многих лет «АРТ-Курьер» успешно сотрудничает с Министерством культуры Российской Федерации, ключевыми государственными и частными музеями России и мира, крупнейшими галереями, аукционными домами и частными коллекционерами.
ТОП-5 произведений выставки:
Гелий Михайлович Коржев (1925–2012)
Благовещение. 1992 год
Бумага, цветные карандаши. 34,5 × 20,2 см
Собрание Владимира Некрасова
Сложно найти более распространённый в искусстве библейский сюжет, чем Благовещение Пресвятой Богородицы. Самое раннее известное изображение Девы Марии и принёсшего благую весть Архангела Гавриила находится в римских катакомбах Присциллы и датируется II–III веками. Интересно, что на этой фреске Богородица изображена слева от Гавриила, — через несколько столетий в религиозном искусстве окончательно утвердится канон, по которому фигуры располагаются с точностью наоборот. Иконография Благовещения претерпела множество изменений, но этот радостный и трогательный сюжет был популярен во все времена.
Для Гелия Коржева обращение к библейской теме было сопряжено с тяжёлыми событиями: в один год из жизни ушли его мать и отец. Горе подтолкнуло Коржева, преподавателя Академии художеств, общественника, обласканного властью, живого классика советской живописи, к непривычным для него сюжетам. «Когда я потерял сразу двух своих родителей, долгое время из-за боли не мог ничего рисовать. Делал только эскизы на библейские темы. Получилась целая серия», — рассказывал художник. Так, в 1987 году было создано полотно «Благовещение», эскиз которого находится на выставке — первая и самая неканоничная работа библейского цикла. В середине XIX века «Благовещение» Данте Габриела Россетти критиковали за написанный на лице Богородицы испуг, но Коржев пошёл ещё дальше: Дева Мария изображена упавшей на пол, сражённая вестью Архангела Гавриила. Безусловно, в этой позе выражено смятение самого художника. Работы на выставке показывают эволюцию данного сюжета у Коржева. Рисунок 1992 года исполнен умиротворения и гармонии, а этюд 2010 года — принятия и смирения. Стоит также отметить нетипичный для коржевской манеры мягкий, рассеянный свет — дань Коржева любимому художнику, Рембрандту ван Рейну. «Раскованность и свобода духа Рембрандта не знают границ. Он ломает любые преграды своему искусству. Полным хозяином его полотен становится свет. Он диктует неожиданные композиционные решения, он определяет лепку формы, он организует пространство», — писал Коржев.
Дмитрий Петрович Плавинский (1937–2012)
Строящееся Евангелие. 1976 год
Офорт. 72 × 58 см
Галерея «Веллум»
Дмитрий Плавинский был одним из первых участников выставок Московского горкома графиков на Малой Грузинской: на открытии экспозиционного зала в 1976 году он представил там свои работы вместе с произведениями Оскара Рабина, Владимира Немухина, Николая Вечтомова и других художников-нонконформистов. Вскоре Горком графиков стал пристанищем для всех тех, кто не вписывался в систему: там выставлялись Илья Кабаков, Виктор Пивоваров, Михаил Шварцман, Франциско Инфанте-Арана, Семён Файбисович, Эдуард Штейнберг.
Среди экспонентов Малой Грузинской — ироничных концептуалистов и горьких бытописателей Лианозовской школы — Плавинский выделялся особой оптикой. Как увлечённый археолог, художник всматривался в историю и находил там источники для вдохновения. Ориентирами и собеседниками Плавинского в искусстве были Альбрехт Дюрер и Леонардо да Винчи. Он и сам был похож на человека Возрождения с удивительно широким кругом интересов и знаний. Его искусство, иногда чересчур утончённое и избыточное, оказалось вне времени, одинаково близким и понятным для всех: Плавинскому было всего лишь 30 лет, когда он получил именной раздел на выставке в Нью-Йоркской галерее современного искусства (New York Gallery of Modern Art), а вскоре его работы пополнили коллекции Метрополитен-музея.
Плавинский не забывал и о своих корнях: неутомимый путешественник, он исколесил всю страну в поисках стремительно исчезающих памятников древнерусского искусства. «Дима всегда был верующим человеком, — рассказывает вдова художника Мария. — Абсолютно один, он много ездил по заброшенным деревням, в которых остались одни согбенные старухи. Он копировал фрески в разорённых храмах, читал церковные книги, Евангелия, требники, занимался в монастырских библиотеках, изучал кладбищенские надгробия. 15 лет он занимался русской палеографией, знал все шрифты: устав, полуустав, скоропись… Был потрясён красотой Остромирова Евангелия. Для него было важно всё». Работа «Строящееся Евангелие» является результатом поисков Плавинского. Выполненная в сложной технике офорта (художник учился в гравюрном кабинете Государственного музея изобразительных искусств имени А.С. Пушкина), она изображает Евангелие в строительных лесах, как дом в процессе реконструкции, — это светлая надежда Плавинского на скорое возрождение Православия и его богатейшей культуры.
Михаил Матвеевич Шварцман (1926–1997)
Ярое око. Начало 1970-х годов
Доска, холст, левкас, темпера. 70 × 50 см
Галерея «Веллум»
Знаковая фигура советского нонконформизма, Михаил Шварцман основал философско-религиозное течение иератизм, основанное на богословских текстах Псевдо-Дионисия Ареопагита. Его трактаты «О небесной иерархии», «О церковной иерархии» посвящены иерархической организации мира, возрастающей по мере близости к Богу. Несмотря на подробные классификации, Псевдо-Дионисий утверждает, что Бог — выше любых имён: Он — непознаваемый Абсолют для созданного Им мира.
Как раз это безусловное стремление к Всевышнему и лежит в основе искусства иератов. Шварцман и его последователи старались найти образы, которые были бы за пределами телесного и мирского. Именно таково «Ярое око». «Всевидец Господь в одном акте Божественного видения видит все века и всех людей, всю их жизнь со всеми помыслами, чувствами, намерениями, делами, словами. Страшное Око, от Которого ничто утаиться не может, просвети моё сердечное око!» — писал святой праведный Иоанн Кронштадтский об этом типе иконы Иисуса Христа, отличающемся особенно строгим, укоряющим взглядом. В отличие от самой знаменитой такой иконы из Успенского собора Московского кремля, Шварцман привёл эту типологию к схеме, где есть лишь намёк на око. «Многие иературы Шварцмана напоминают тайники с узкими лестницами, чердаками и подземными криптами. Движение по ним сулит соучастие в неожиданных превращениях, нарративность которых безгранична. Ожидаема встреча со всем», — пишет искусствовед Сергей Хачатуров. Работы художника действительно можно трактовать как карты сложнейшего путешествия, которое проходит каждая ищущая душа.
Александр Григорьевич Ситников (родился в 1945 году)
Ангел. 2000 год
Смешанная техника. 50 × 50 см
Собственность автора
Александр Ситников принадлежит к поколению советских художников, ярко заявивших о себе в 1970-х годах. В отличие от мастеров 1960-х, стремившихся отразить на холсте правду жизни, семидесятники искали вдохновение в мировой культуре, наполняя работы многочисленными отсылками. В искусстве Ситникова сосредоточилось многое: от мифов Древней Греции до фресок эпохи Возрождения в 1970–1980-х годах, от трогательных абстракций Пауля Клее и реди-мейда дадаистов до ассамбляжей Жана Дюбуффе в 1990-х и 2000-х. «Несколько лет назад я делал картины предметные, не совсем реалистичные, но предметные», — говорит Александр Ситников о смене своего живописного метода. Теперь же он исследует абстрактную живопись, предлагающую обширное поле для эксперимента и для «движения вглубь, вширь и куда угодно». Тем не менее спиритические «Ангелы» берут свои истоки и в фигуративных образах тоже: они одинаково вдохновлены и надломленным искусством ар-брют, и немецким экспрессионизмом. Несмотря на абстрактный характер этих работ, в них чётко прослеживаются элементы традиционной иконографии ангельских образов: нимб и жезл-мерило.
Ольга Васильевна Булгакова (родилась в 1951 году)
Три ангела. 2012 год
Холст, масло. 160 × 180 см
Собственность автора
Работа «Три ангела» входит в цикл Ольги Булгаковой «Библейские эскизы». «Библия — тема неисчерпаемая. К какому бы времени мы ни относились, в Библии есть ответ на всё. Там уже всё заложено, — говорит она о замысле своего цикла. — Безусловно, ответа на какие-то глобальные вопросы несколькими холстами дать нельзя. Я в своих работах пытаюсь хотя бы приблизиться к постановке вопроса». Композиция «Трёх ангелов» уже возникала у художницы ранее, например, в картине «Ангелы любви, печали, надежды» (2006), но в данном произведении поле интерпретаций не ограничено названием. Традиционно изображение трёх ангелов является частью иконографии Святой Троицы. Руки ангелов на картине сложены в жесты, которые часто присутствуют в иконописных изображениях святых: так, скрещенные руки символизируют жертву Христа, поднятые вверх ладони — это традиционная поза Оранты, а с ладонью у сердца изображаются праведники, славные искренней, сердечной молитвой.
Дополнительное символическое значение несёт колорит картины. В этой работе цвет предстаёт нематериальной субстанцией, формирующей на холсте фигуры-видения в переливчатом, зыбком ореоле. Яркий лазурный фон отсылает к лучшим образцам монументальной религиозной живописи — к росписям собора Спаса Преображения в Мирожском монастыре в Пскове, фрескам Андрея Рублёва в Успенском соборе во Владимире и произведениям Джотто ди Бондоне в Капелле дельи-Скровеньи в Падуе. Музыкальная звонкость цвета, гармония ярких оттенков красного, жёлтого, зелёного рождают ассоциации с искусством художников объединения «Синий всадник»: Василия Кандинского, Франца Марка, Марианны Верёвкиной и Алексея Явленского. Кандинский, один из его главных идеологов, посвятил свои теоретические работы исследованию цвета, его символики и влиянию на человека. «…Цвет является средством, которым можно непосредственно влиять на душу. Цвет — это клавиш; глаз — молоточек; душа — многострунный рояль. Художник есть рука, которая посредством того или иного клавиша целесообразно приводит в вибрацию человеческую душу, — писал Кандинский в книге “О духовном в искусстве”. — Таким образом ясно, что гармония красок может основываться только на принципе целесообразного затрагивания человеческой души».
Подготовил Мигель Паласио